YOASOBI於二〇一九年成軍，且幾乎就是在同一年，向世界展現了他們將小說音樂化的天賦。接著，不僅只是小說，漫畫、電玩、舞台劇……皆有他們的身影。YOASOBI的音樂不是背景，而是一位說書人，作曲家Ayase洞悉情感的能力，搭配上主唱ikura廣度極高的音域，正持續為閱聽者創造一種過去無法想像的故事體驗。

郝妮爾／撰稿 Sony Music、Simple Life／圖像提供

朝文學伸出觸角的動人旋律

是音樂家，也是說故事的人。YOASOBI之所以爆紅，打從一開始就無法與小說分割。

源頭得從Sony旗下小說網站「monogatary.com」說起，該網站原意是開放各種不同創作者的投稿平台，本身就是一個將文字改編成各種IP產業為取向的空間。二〇一九年，首次邀請YOASOBI嘗試將輕小說音樂化，而以此為嘗試的第一首作品〈向夜晚奔去〉（夜に駆ける），在不到半年的時間就突破一千萬次的播放率，更在隔年受邀至日本紅白歌唱大賽上。而後，YOASOBI的音樂化觸角一路延伸，此刻，說他們這個世代最受歡迎的J-POP 代表也不為過。

與一般的創作路徑稍有不同，YOASOBI 的創作與其說是向內挖掘，他們做得更多的，是把自己當作植物一樣，延伸觸角，去感受日光與土壤，沈浸而不耽溺。

以二〇二三年十一月推出的〈Biri-Biri〉為例，這是一齣紀念任天堂Switch 遊戲《寶可夢朱／紫》發售的新曲，Ayase談起創作的時候，非常坦白的說：「這裡面沒有任何與人生有關的訊息，純粹就是表現我們對寶可夢的愛而已。」這話說得很直率，好像非常甘願將自己當成一個容器那樣，讓背負藝術的肩膀一下子輕了起來。

創作上的輕盈，可以輕如小鳥，也可以輕如羽毛，YOASOBI無疑是前者。他們將小說、漫畫音樂化之改編功力，雖說輕盈，卻不向下墜落，而是不斷不斷的向上飛揚，且因歌曲中經常放置了大量故事中的台詞、角色心境，同時避開巨大雷點，直擊故事的靈魂，經常讓人看完原著以後、迫不急待回頭品味歌曲，又在歌曲強烈的節奏洗禮之下，忍不住想一再回頭將整個故事重讀一遍。

在音樂化的過程中，幾乎每一首曲子YOASOBI都做到了──從作者的方向捕捉故事的核心、以讀者的眼光感受劇情的重量，同時，不忘以一個旁觀者的角度，輕輕淺淺的揭開故事迷人的面向。也因此，讀者能夠隨著自己對於故事或者音樂理解之深淺，而不斷感受到新的層次魅力。這一點，以短篇小說集《第一次的》與YOASOBI的合作，完美驗證。 哀而不傷的J-POP基底

《第一次的》為日本出版社「水鈴社」的企劃。不同於過去「小說已經完成，事後邀請YOASOBI音樂化」的先後順序，這個作品將文學與音樂結合的企圖心，打從一開始就很明確――邀請四位拿過「直木賞」的作家（島本理生、辻村深月、宮部美幸與森繪都），環繞「第一次」的主題概念寫下故事，再由YOASOBI花費一年的時間打造四首原創歌曲。

Ayase曾聊起這個創作，說：「以音樂來說的話，如果要哭泣，我希望大家能一邊笑一邊感受這種難過。」

以文學角度來說，此四篇文章的流暢性當然是不必多言，至於音樂化的過程，並非一種藝術上的競爭，而是進一步拓展了故事的魅力。以下也試著依循Ayase的「哀而不傷」之說，解構YOASOBI的音樂化脈絡，以《第一次的》的前二篇創作為例。

開卷第一篇，為島本理生〈只屬於我的主人〉，在該小說中，作為機器人的「我」，追憶著他與雇主之間的回憶，既然名為追憶，則調性則屬感傷，至於機器人在稱呼主人時皆以「Mr.」尊稱，也對應小說的歌曲其後被命名為〈先生〉（ミスター）的原因。

無論是稱呼主人或者先生，聽起來都略有卑微之感，然而在這篇小說中，一名機器人懷抱的、對他記憶中主人那份無以名狀的情感，也妥妥地被包覆在音樂中。主唱ikura在開頭以相對平淡的音調唱出，隨著中途（彷彿程式碼出錯一般）的轉調過後，ikura刻意營造的機械感，就好像原先被金屬包覆好的悲傷、再也克制不住的傾倒，於副歌最後傾盡全力吶喊出來。 聽完歌以後再回過頭去看〈只屬於我的主人〉，彷彿那文字也被賦予了聲音，文字中機器人的聲量漸漸轉大，乃至無法收拾；偏偏，島本理生的敍事腔調是非常節制的，故事中所有與痛苦有關的的記憶全都是以詰問來呈現，此音樂與文字的合作在此成為一種衝突，卻不是拉扯的，反是相輔相乘。

至於，在面對第二篇作品中的〈幽靈〉，YOASOBI 的創作方式竟又採取了另外一種策略──為了這部作品而創作的〈隨波逐流〉（海のまにまに）很像是兩條火車交會的過程：歌詞自陰暗趨向黑夜，旋律卻往光明走去。若加入小說的劇情跟著理解的話，我們或許可以這麼解釋――歌詞是按照故事劇情順順序序地說著，而曲風則是以倒敍法的方式，從故事中的結尾處、最明亮的那一天開始哼起歌來。而這樣的聽覺感受，恰好與作者辻村深月的筆調是吻合的。

在〈幽靈〉這個短篇中，辻村深月描寫一位失意的中學生，搭上電車想要逃到世界的背面、最好跌入海中不必再面對明日的到來；而ikura的唱腔，則是跳著輕快的小步舞曲一般前進，那不是嘲諷，是理解，理解人有跌落到黑夜的狀態，也理解被太陽反射的熠熠疊光的白晝就要到來了。

乍聽之下，YOASOBI將小說音樂化的過程，好像欲以一首歌把整個故事說完了，然而，就像是我們以為一首詩可以講完一段人生，實際讀過、聽過才會明白，眞正好的作品，本身有無可取代的魅力。YOASOBI的音樂的確是棒得不得了，但是搭配上閱讀的體驗，才眞正有抵達另一個境界的感動。 唱演合一，充滿魅力的神曲〈偶像〉

回過頭來，台灣觀眾多數對於YOASOBI的認識，不知是不是依然是從熱銷動漫《我推的孩子》主題曲之〈偶像〉（アイドル）奠定其經典地位呢？

說起〈偶像〉的創作過程，Ayase回憶：「在很早以前，我就是《我推的孩子》的讀者。早在這部作品還沒有改變為動畫之前，我就讀過很多次，甚至做了一些簡單的音樂，且不是以YOASOBI的身分，而是我個人的創作。沒想到後來動畫主題曲的邀約就過來了，當時我直接將最原始創作的這個版本給他們聽聽看，覺得整件事情眞的很巧。後來又和原作赤坂明先生聊過以後，YOASOBI 才根據故事

《我推的孩子》這部動漫作品，以相當眞實的角度描述演藝圈的生活，其討論範疇橫跨童星、演員、KOL乃至偶像，其中又以「偶像」的著墨處最高。〈偶像〉這首歌曲因此也充滿高度的層次，開場以閃亮得不可思議的氣勢登場、中間夾以作為偶像的自我懷疑，以及旁人閒言閒語的暗地攻擊，ikura不斷改變聲線以符合每一個角色的心境，完美詮釋「唱演」合一。 「不過，其實我也只有進錄音室、或者是站在舞台上的時候，才會這麼徹底進入歌詞中的角色。」ikura說。當被問及以歌詞歌曲強烈演繹不同角色的心境狀態，是否有迷失的感受過時，她的回答非常明確。

她接著解釋：「我不像是演員，進入一個角色多半要花兩、三個月的時間投入，我進入其中的時間，就是一首歌的長度。也因為如此，除了歌場以外的時間，我會花很多很多時間在閱讀，去思考這個角色的心理狀態是什麼，這個句子背後的意涵是什麼？試著用各種不同唱法去斟酌情感狀態，在演唱時快速進入角色裡。」

有時候又不單單只是歌曲本身而已，若我們留心觀察，在大型演唱會上，〈偶像〉開始以前，會有一段非常震撼的插曲〈Worship〉出現，對此，Ayase解釋：「《我推的孩子》這部作品其實讓我感覺到很強烈的『宗教』元素，我就是依照這樣的想法寫下前面的音樂的。」Ayase指的是偶像崇拜這回事。

粉絲對於偶像的愛近乎信仰，而插曲〈Worship〉整首歌的氛圍，便是這般詭異、且震懾人心，像是一群人雙手伸向天空，等待祝福降臨，那麼莊嚴、神聖，又讓人害怕。在此氛圍下，與ikura〈偶像〉開頭第一句、刻意拔高聲線，充滿粉紅泡泡的少女聲音接連，乍聽突兀，細聽則是毛骨悚然，張力十足。

YOASOBI將各種故事音樂化的過程，近似於月之暗面，圖文是明亮的那一面，我們能確實「看見」，而音樂則是光沒有照到的地方，如今也透過聲音的震盪傳達進來了。兩相配合，是耳目之雙重洗禮，強烈地抓緊故事的心跳，帶著讀者，輕盈向上。

郝妮爾
宜蘭人，東華華文所創作組藝術碩士。自二〇一四年起，從事藝術文學專訪、側記、評論之工作至今。創作範疇囊括散文、小說、童話、劇本、採訪文類。曾二度獲得OPENBOOK好書獎年度中文創作、並入圍二〇二三年臺灣文學金典獎。著有散文集《我家，或隔壁》、《去你媽的世界》；長篇小說《卡西與他們的瓦斯店》；劇本集《拾蒂》。 閱讀完整內容